Musica

Non è una biografia tradizionale, è una vascologia (dal greco -loghía «trattazione» su Vasco Rossi): il viaggio parte da Zocca il 7 febbraio 1952 e ripercorre, nota dopo nota, canzone dopo canzone, l'avventura del Blasco fino ai giorni nostri. Si addentra nella storia della musica del rocker svelandone con fine incanto la profondità dei significati e la forza travolgente con cui ha acceso le luci dell'anima e commosso il cuore di milioni di persone. Queste pagine, attraverso le sue canzoni, sanno di vita, bruciano di coraggio e profumano di speranza.

L'uomo d'oggi nasce e agisce in un paesaggio sonoro caratterizzato da una elettrificazione e digitalizzazione sempre più accentuata. Anche se questo è il quadro generale e quotidiano al quale siamo tutti in qualche modo assuefatti, la relazione tra sfera elettronica e universo sonoro costituisce un ambito d'interesse e di approfondimento ben più complesso e articolato. In questo volume si rintraccia, attraverso l'intero xx secolo e oltre, il percorso della rivoluzione estetica e sonora della musica elettronica ed elettroacustica, ricostruendo le principali tappe storico-geografiche attraverso le quali si è sviluppata nelle sue diverse varianti. Combinando musica colta ed extracolta, passato e presente, tecnica e filosofia, transitando dalle sale da concerto ai warehouse, l'autore presenta qui, per la prima volta in maniera così ampia e articolata, una mappa generale della musica elettroacustica, attraverso i suoi protagonisti, le diverse scuole, i suoi interpreti e i suoi ascoltatori. La panoramica che ne deriva spazia dalle pionieristiche esperienze del primo Novecento alla diffusione planetaria della musica disco, techno e dei rave, dedicando una particolare attenzione ai risvolti di carattere filosofico ed estetico, in una prospettiva fortemente internazionale e con la massima apertura nei confronti di tutti i generi musicali.

Oggi possiamo scegliere se ascoltare Beethoven, i Chemical Brothers o musica balinese, in auto o in una sala da concerto, così come possiamo scegliere fra una trattoria e un ristorante cinese; eppure, a una più approfondita osservazione, ci scopriamo collettivamente e fedelmente ancorati a valori e a gerarchie che, anche se considerati in modo critico, permangono come intoccabili retaggi del passato: il compositore, il grande interprete, l'autenticità, il capolavoro, l'edizione "fedele alla volontà dell'autore". È partendo da questi riflessi condizionati del pensiero sulla musica che Cook svela quanto essa sia portatrice di messaggi che vanno ben al di là della piacevolezza d'ascolto.

Oggi sembra quasi che la grande musica viva isolata, sotto una campana di vetro, dove non può realizzare il suo enorme potenziale di appianare le diversità, diventare riferimento etico e parlare all'umanità senza distinzioni. Eppure solo duecento anni fa Victor Hugo sosteneva che la musica esprime ciò che non può essere detto ma su cui è impossibile tacere. Parlare di musica insomma è parlare di noi, di tutto quello che viviamo e proviamo. "Tra le note. Classica: 24 chiavi di lettura" di Francesca Dego, offre gli strumenti per strappare il velo polveroso che trasforma in massa informe intrappolata nella definizione di musica "classica" quello che per l'autrice - la giovane violinista Francesca Dego - è invece un mondo vivo, colorato e pieno di passioni. Ventiquattro capitoli che nel titolo contengono tutti un'arguta allusione musicale per raccontare di una passione, ma soprattutto per avvicinare al mondo della grande musica chi ci si è imbattuto in modo superficiale o vuole approfondire una conoscenza da autodidatta.

Che rapporto c'è tra musica e verità? Che cosa intendiamo quando parliamo di verità in musica? In che modo - e in quale misura - i suoni funzionano da dispositivi per interpretare il mondo? E come facciamo a esprimerci con tanta disinvoltura sulla musica anche quando ne ignoriamo teoria e pratica? Normalmente la filosofia della musica è un'estetica dell'arte, applicata nella fattispecie alla disciplina musicale. Per di più, prende a modello alcune opere compiute della storia della musica occidentale, magari diventando un raffinatissimo studio di un'opera d'arte o di una particolare corrente creativa, più spesso però finendo per perdere di vista l'oggetto principe della ricerca: il suono. Attraverso una fenomenologia del suono, questo libro tenta di rispondere a quegli interrogativi - o di riformularli - attraverso un approccio meno frequente, quello teoretico, servendosi di un apparato di pensiero nato al di fuori della speculazione sull'arte per applicarlo ora alla musica. A partire da una riduzione del suono a fenomeno puro, l'indagine si nutre di approcci molto diversi, talora opposti, per arrivare a considerare la musica come un contenitore emotivo di cui conosciamo il contenuto particolare grazie alla sua relativa forma acustica. Questo riconoscimento avviene al livello del pensiero, ma è soltanto attraverso un'intercettazione emotiva che il contenuto si sprigiona dando luogo ai suoi effetti sensibili, cioè gli "affetti".

È il 1961 quando esce "Silenzio". John Cage ha quarantanove anni e una fama di musicista sperimentale che fino a qualche anno prima era limitata alle cerchie delle avanguardie metropolitane statunitensi. Conosciuto soprattutto per l'associazione tra la sua musica per percussioni e pianoforte preparato e la modern dance, il suo stile muta radicalmente quando decide che i suoni debbano essere liberati - dall'intenzione, dal gusto, dalla storia, dalla memoria - per vivere di vita propria. Che lo strumento principale del suo modo di comporre debba essere il caso. Quando Cage accetta l'idea di radunare i suoi scritti e le sue conferenze-performance in questo libro, il suo pensiero ha da poco contagiato irreversibilmente la nuova musica che si fa in Europa. "Silenzio" diffonde il contagio anche al di là dell'ambito musicale e dà a Cage una notorietà senza precedenti. Il libro viene accolto da una comunità di giovani in pieno fermento artistico, culturale e politico. Diventa subito un manifesto e un caso letterario. Insieme di articoli, conferenze e saggi composti fra il 1937 e il 1961, "Silenzio" spazia dai discorsi sulla musica - propria e degli altri - alla danza, alla pittura, allo zen, con storie e aneddoti che nel tempo sono divenuti proverbiali. Da questo variegato insieme di testi - qui proposto in una traduzione riveduta e con una prefazione inedita in Italia - emerge soprattutto la totale appartenenza di Cage al pensiero musicale, la sua fede assoluta nel potere del suono. Eppure, anche e proprio grazie a "Silenzio", le sue idee si sono irradiate verso tutti gli ambiti della produzione artistica, definendo un nuovo rapporto tra materiale e gesto creativo. E ancora oggi il sasso gettato nello stagno non ha smesso di generare i suoi cerchi.

L'imperatore di Atlantide è una breve opera lirica composta da Viktor Ullmann e Petr Kien nel 1943-44, mentre erano prigionieri del ghetto di Terezín. Si trattava di un ghetto "modello", abbellito in occasione dell'ispezione della Croce Rossa Internazionale del 1944 per ingannare la delegazione sulle condizioni degli ebrei nel Reich. Una vera e propria "messa in scena" nel consueto stile perfidamente beffardo dei nazisti, in cui gli i prigionieri, quasi tutti intellettuali e artisti, venivano costretti a fingere una vita normale tra caffè, concerti, teatri, scuole e biblioteche, prima di essere caricati su una tradotta e portati ad Auschwitz. L'opera è tuttavia un vero e proprio atto di resistenza. Ullmann e Kien reinterpretarono infatti un mito caro ai nazisti, quello di Atlantide, paradiso perduto della purezza ariana, inscenandone profeticamente il crollo e la sconfitta. In questo volume - che presenta il testo del libretto in traduzione con l'originale tedesco a fronte -, Enrico Pastore racconta la storia dei due autori, illustra il contesto del ghetto di Terezín e analizza il valore artistico dell'opera, mentre a Marida Rizzuti è invece affidata l'analisi della partitura.

I Nine Inch Nails di Trent Reznor, geniale e visionario artista, hanno tracciato le coordinate di un nuovo modo di coniugare rock ed elettronica. Dalla pietra miliare The Downward Spiral all'Oscar per la colonna sonora di The Social Network, dal progetto How To Destroy Angels al lungo sodalizio compositivo con Atticus Ross, il libro ripercorre l'avventura di Trent Reznor attraverso una lunga e minuziosa raccolta di informazioni e materiale inedito e, oltre a quella dello stesso Reznor, alle voci di tutti coloro che hanno incrociato le proprie strade con lui, da David Bowie a Dr.Dre, da David Lynch a Marilyn Manson, da Rick Rubin a Roger Waters. Per questa nuova edizione, che conta ben sei capitoli aggiuntivi, Giovanni Rossi ha preso in esame tutti i lavori e le collaborazioni di Trent Reznor degli ultimi otto anni, riconfermando il primato di libro più completo al mondo sull'ormai leggendario artista americano.

Comunemente definita heavy, la musica dei Led Zeppelin era in realtà un complesso amalgama di blues, rock, folk e country. Martin Popoff analizza ognuna delle 81 tracce incise in studio dalla banda, esaminando anche il contesto storico e le circostanze che hanno portato alla loro creazione, oltre ai processi di registrazione. I saggi che introducono ogni album sono accompagnati dall'indicazione di studi, date di uscita e collaboratori coinvolti. Illustrato con fotografie di performance rare e di numerosi dietro le quinte, il libro è uno sguardo al quartetto che ha creato un modello a cui hanno ampiamente attinto tutte le rock band successive.

Negli oltre sessant'anni della sua storia, il rock ha conosciuto personaggi bizzarri, eccentrici visionari ma anche persone profondamente turbate nella psiche che hanno sfogato la loro distonia nella musica, con risultati spesso geniali. Questo libro illustra alcuni di questi "mad dogs" indagando sui buchi della loro mente e sui risultati raggiunti, con storie favolose che sovente sconfinano nell'inverosimile. A volte la narrazione della scheda si basa su un singolo evento di particolare rilevanza, altre volte invece la telecamera estende il campo su diversi aspetti della vita o carriera dell'artista. Alcuni di questi personaggi sono celebri, da Syd Barrett a Phil Spector, da Jerry Lee Lewis a Captain Beefheart. L'indagine dell'autore va oltre i casi più popolari e prende in considerazione aspetti di follia che hanno invaso la mente anche di David Bowie, di Elvis, di Nick Drake, di Kurt Cobain. Un racconto serio, senza effetti plateali, scritto in una fantasmagorica lingua degna dell'argomento: che si spinge oltre il confine del rock e trova tracce di creativa follia nelle disturbate storie di Django Reinhardt, di Thelonious Monk, di Nina Simone, di Sun Ra.

Attraverso una colta riflessione sul significato di termini in apparenza comuni - come caso, alea, ambiguità, indeterminatezza e creatività Giancarlo Schiaffini approfondisce l'indagine avviata nei suoi precedenti scritti, non rivolti ai soli musicofili ma a tutti i lettori curiosi dell'attività intellettuale nella sua accezione più ampia, ponendo qui particolare attenzione al concetto di "errore", spesso non un semplice sbaglio ma il vero punto di svolta capace di produrre fondamentali suggerimenti nella ricerca scientifica come in quella artistica. Così, grazie a una serie di esempi e di aneddoti legati ai più disparati campi dell'attività umana, insieme all'autore affrontiamo tutta la vastità ma anche la libertà del nostro pensiero alle prese con la ricchezza dei processi e dei fenomeni comportamentali di tutti i giorni. Prefazione di Steve Piccolo.