Silvana: Arte

Il Premio Marche - Biennale d'Arte Contemporanea è la tradizionale e nota manifestazione d'arte contemporanea tra le più significative del Centro Italia, di valenza nazionale e di più rilevante e importante tradizione storica tra quelle attivate nel territorio della regione delle Marche. Organizzato dall'A.M.I.A. (Associazione Marchigiana Iniziative Artistiche), quale Ente fondatore e principale promotore, l'iniziativa ha contribuito nel territorio alla promozione di manifestazioni di livello sovraregionale e nazionale, rivestendo un ruolo fondamentale e di grande rilievo per la divulgazione dell'arte. Nel dare continuità alla Rassegna, il progetto dell'Edizione Regionale 2022 prevede l'approdo ad Urbino nelle sale di Palazzo Ducale e della Galleria Civica Albani, con due esposizioni: accanto alla tradizionale Rassegna sulla ricognizione degli artisti marchigiani, o operanti nella Regione Marche, è prevista una mostra monografica che affronta alcuni degli aspetti del disegno negli artisti marchigiani del Novecento.

"Un punto, un foro, un varco. Un taglio, uno squarcio, una ferita. Lo sguardo si protende verso le aperture, scopre piccole e ampie concavità, linee focali convergono e si dipartono tra ombre cromatiche ed evidenze di luce: andiamo con gli occhi verso ciò che vuole essere guardato, oggetto del desiderio percettivo. [...] L'opera quale incipit di uno sconfinamento tra ciò che esiste e ciò che non può esser altro che immaginato." Questo volume è un momento di riflessione sulla ricerca multidisciplinare di Paolo Scheggi (1940-1971) e sulla sua intensa indagine artistica sviluppata in poco più di un decennio: una manciata di tempo apparentemente insignificante, nella lenta e irrevocabile evoluzione della storia dell'arte moderna e contemporanea occidentale, che lo definisce un giovanissimo protagonista della neo-avanguardia spazialista e monocroma italiana, e un pioniere dei linguaggi contemporanei.

Attraverso più di cinquanta capolavori, il volume mette per la prima volta a confronto diretto i più importanti pittori attivi nelle città di Bergamo e Brescia, tra Rinascimento e Barocco: da un lato i lavori dei grandi maestri bresciani quali Foppa, Moretto, Romanino, Savoldo e Ceruti, e dall'altra i bergamaschi Moroni, Palma il Vecchio, Previtali, Lotto, Fra Galgario. Un parallelo inedito ed emozionante che permette di osservare come il comune substrato culturale lombardo, ravvivato dalle novità proposte dai pittori veneziani (Bellini e Tiziano in primis), abbia dato vita a linguaggi espressivi in alcuni casi similari, in altri antitetici. Il confronto viene proposto ripercorrendo i principali temi artistici dell'epoca, quali la ritrattistica, la pittura barocca, la natura morta, il paesaggio e la pittura di genere. Una rassegna di grande qualità che approfondisce la produzione artistica espressa dalle due città, durante i secoli di dominazione veneziana.

Il volume è dedicato alla collezione di opere di Giorgio Morandi raccolte da Antonio e Matilde Catanese, di cui si dà conto per la prima volta in queste pagine, in maniera esaustiva e definitiva. Questa raccolta, per il numero di esemplari, per la loro cronologia distribuita in un arco temporale che abbraccia quasi tutti gli anni dell'attività del maestro, per la tecnica che li caratterizza, per i temi rappresentati, per la storia collezionistica e soprattutto per la loro rilevanza artistica, rappresenta un microcosmo esemplare per decifrare e intendere l'attività di Morandi. Essa infatti comprende quindici dipinti realizzati tra il 1914 e il 1959 che si distinguono per i temi peculiari del suo lavoro: nature morte, paesaggi, fiori e soprattutto un autoritratto del 1914 che, anche per la ritrosia dell'autore a trattare la figura umana, rappresenta l'opera di spicco della raccolta. Di grande importanza anche tre acquarelli e la serie quasi completa delle acqueforti, a testimonianza della completezza della collezione, aperta alla tecnica che Morandi praticò in parallelo alla pittura e che da questa non può essere disgiunta. Le opere sono state oggetto di indagini scientifiche, preliminari al restauro e alla conservazione, condotte dall'Università di Urbino, di cui sono qui presentati gli esiti. La raccolta Catanese, formatasi negli anni Trenta del Novecento, si inserisce nella tradizione dei grandi collezionisti milanesi che con lungimiranza seppero guardare al Morandi contribuendo tra i primi alla sua fama."

La Fondazione Santarelli offre ai cittadini e agli amici di Amatrice un volume che raccoglie saggi di architettura, di urbanistica, di ambito storico-artistico: ricerche iniziate da tempo, bruscamente interrotte dopo la catastrofe del 2016 che ha atterrato la parete degli affreschi di San Francesco, annientato palazzo Orsini, danneggiato l'abside della Madonna di Filetta, messo a repentaglio l'Icona Passatora e i cento santuari delle "ville" della città laziale. Il libro non vuole solo celebrare un patrimonio artistico irripetibile e, speriamo, non irrecuperabile, ma è anche la promessa che gli studi, quietamente portati avanti in tempi meno calamitosi, non soltanto riprenderanno, ma trarranno nuova linfa vitale dalla necessità di sostenere l'opera di restauro, alimentando così la memoria e l'amore per una terra complessa e martoriata, che deve riprendere a vivere insieme con i suoi capolavori.

Grazia Varisco è una delle protagoniste dell'arte europea. Per gli spazi della Fondazione Biscozzi-Rimbaud di Lecce ha elaborato un itinerario di diciassette opere di datazione compresa fra il 1957-1959 e il 2009 in relazione tra di loro. Un percorso, insomma, nel quale i singoli pezzi vanno a costituire un corpo unitario, pur conservando ciascuno la propria individualità. La caparbietà di Grazia Varisco è un elemento caratteristico del suo modus operandi, e va intesa come impegno formale ed espressivo. Si tratta dell'esigenza di andare sempre al di là della soluzione esperita, al fine di trovare nuovi contenuti e le modalità di volta in volta più adatte per estrinsecarli. Naturalmente permangono alcune costanti, e l'obiettivo di questo libro è di individuare le principali che permettano di leggere una produzione così ampia entro una cornice interpretativa coerente.

Violenti, scostanti, scorretti. Gli eretici interpretano il tema della salvezza in ostinata opposizione con l'opinione e il gusto correnti. Rapita tanto dalle altezze quanto dalle bassezze, la loro opera multiforme rivolge lo sguardo alle urgenze della poesia e della verità, lasciando che pensiero e biografia siano un'unica cosa. Gli eretici di questa mostra sono tra gli altri Mattia Moreni, Cristina Campo, Pier Paolo Pasolini, Carmelo Bene, Sylvano Bussotti, Enrico Colombotto Rosso, Federico Tosi, Sergio Vacchi, Giannetto Fieschi, Amelia Rosselli, Pietro Ghizzardi, Cosey Fanni Tutti, Guido Costa, Ugolino, Maria Sole. Esempi di anticonformismo che fanno della follia, della provocazione o della perversione un elemento disturbante eversivo e non assimilabile. Contributi di: Fabio Canessa, Guido Costa, Andrea B. del Guercio, Simone Derai, Demended Burrocacao, Duccio Dogheria, Denis Isaia, Concetta Leto, Brizia Minerva, Daniela Rosi, Stefano Sbarbaro, Vittorio Sgarbi, Franco Ungaro.

Il volume, muovendo dalla sezione italiana dell'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, evento epocale che si tenne a Parigi nel 1925 e da cui deriva il termine "Déco", intende restituire, attraverso 230 opere circa, una fotografia di quanto si andava producendo in quegli anni non solo nelle arti decorative e nella grafica, ma anche in pittura, scultura e architettura. L'obiettivo è quello di scoprire il fil rouge del gusto déco italiano che, tramite le necessarie intersezioni di stili e temi guida - come la danza, la maschera e la spinta sintetica nell'analisi formale di animali esotici -, favorì quella ricerca orientata verso una maggiore struttura architettonica e geometrizzazione delle forme. Tra le opere illustrate, per citarne solo alcune, le sfavillanti ceramiche firmate da Gio Ponti per Richard Ginori e quelle celebri di Francesco Nonni, le delicate trasparenze buranesi di Vittorio Zecchin, gli straordinari dipinti di Aleardo Terzi e Umberto Brunelleschi, che segnano un versante più illustrativo della pittura di quegli anni, e i progetti di Armando Brasini e Piero Portaluppi. Spazio è dato anche a quel sottile legame che avvicinò il secondo Futurismo alla temperie déco, testimoniato dalla partecipazione all'Expo parigina di Giacomo Balla, Fortunato Depero ed Enrico Prampolini.

Il volume intende proporre una riflessione sul tema del dono, perpetuando la visionaria volontà di Gian Giacomo Poldi Pezzoli (1822-1879) - fondatore della casa-museo e, quindi, primo donatore - di accrescere la raccolta d?arte da lui avviata. Il dono ha la capacità di cambiare i rapporti, le situazioni, le azioni, le persone e addirittura i musei. Donare un?opera, denaro o le proprie capacità professionali per sostenere un?istituzione significa restituire alla comunità un privilegio ricevuto dalla vita, come fece Poldi Pezzoli. Questa pubblicazione, che si inserisce nel palinsesto delle celebrazioni per il bicentenario della nascita del nobile collezionista, presenta vari dipinti, alcuni dei quali inediti, insieme a una serie di orologi e ventagli di manifattura europea e tre stipi rinascimentali di produzione milanese. Le schede di catalogo illustrano la rilevanza storico-artistica delle opere, datate dal XIV al XX secolo, il valore culturale che esse apportano alle collezioni del Museo e una nota sui donatori.

"Warhol è il Raffaello della società di massa americana che dà superficie ad ogni profondità dell'immagine, rendendola in tal modo immediatamente fruibile, pronta al consumo, come ogni prodotto che affolla il nostro vivere quotidiano. In tal modo sviluppa un'inedita classicità nella sua trasformazione estetica. Così la pubblicità della forma crea l'epifania, cioè l'apparizione, dell'immagine." (Achille Bonito Oliva). Il volume racconta Andy Warhol attraverso una selezione di oltre 200 opere tra dipinti, opere uniche, serigrafie, disegni, polaroids, fotografie e altri cimeli, che ripercorrono i momenti salienti del suo percorso, dagli esordi negli anni Cinquanta alla consacrazione negli anni Ottanta: un artista poliedrico e dalle mille sfaccettature, che in tre decenni ha rivoluzionato la storia dell'arte del Novecento.

Paolo Monti (Novara, 1908 - Milano, 1982), tra i più importanti fotografi italiani, è stato maestro indiscusso di intere generazioni. Accanto all'attività professionale ben nota - le campagne di rilevamento del patrimonio artistico e architettonico, i ritratti di artisti, la documentazione degli allestimenti museali del secondo dopoguerra - condusse, senza cesure, un'intensa attività sperimentale che lo portò a riflettere sull'astrazione, in un affascinante percorso di indagine del linguaggio fotografico e delle sue potenzialità. Un'attività poco conosciuta, che lo mise in relazione con le sperimentazioni artistiche e fotografiche più interessanti del suo tempo e ne accrebbe la credibilità internazionale. Attraverso l'indagine scientifica, condotta sull'archivio del fotografo, acquista così nuova luce l'avventura intellettuale di uno dei protagonisti della cultura visiva del Novecento.

Il volume propone un'indagine approfondita sulla prima produzione di Leonardo Dudreville (Venezia 1885 - Ghiffa 1976) che, muovendo dagli esordi divisionisti, elaborerà una pittura che mostra un'inedita attenzione alle avanguardie europee (in particolare alle suggestioni derivate dalle tematiche musicali e dai cosiddetti stati d'animo) per avvicinarsi infine al futurismo con la firma nel 1920 del manifesto Contro tutti i ritorni in pittura, preludio a una nuova concezione della figurazione. Un percorso esemplare che consente l'analisi di quella congiuntura culturale che portò nel 1914 alla formazione del gruppo Nuove Tendenze, composto, oltre che da Dudreville, dai pittori Adriana Bisi Fabbri, Carlo Erba, Achille Funi, Marcello Nizzoli, dagli architetti Giulio Arata, Mario Chiattone, Antonio Sant'Elia, dallo scultore Giovanni Possamai, dalla decoratrice tessile Alma Fidora e dai critici Carlo Bozzi, Decio Buffoni, Gustavo Macchi e Ugo Nebbia.